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Extases, orgasmes, écran de fumées

Ernest Pignon-Ernest, Extase, Chapelle des Carmélites, Musée d’Art et d’Histoire de Saint-Denis, 15 octobre – 28 février 11

Attirance et recueillement. – Il y a beaucoup de visiteurs dans cette chapelle. En permanence, des personnes d’ages et de cultures variées viennent se recueillir devant ces images. Sept corps dessinés représentant sept extases de femmes. Marie-Madeleine, Thérèse d’Avila, Marie de l’Incarnation, Angèle de Foligno, Catherine de Sienne, Hildegarde de Bingen, Madame Goyon. C’est interpellant, ce recueillement devant ces représentations de la douleur sacrée, de la possession, comme devant un patrimoine important de notre imaginaire. Comme le besoin de garder ou renouer le contact avec ce qui se passait dans ces êtres tordus, traversés, visités par le surnaturel. Et surtout comme si cela concernait tout le monde (jeunes, vieux, branchés, conventionnels). (On voit paraître pas mal de publications traitant de ce retour de l’irrationnel comme besoin, comme seule possibilité de s’arranger avec l’inexplicable infortune qui frappe aujourd’hui de larges pans de populations.) On trouve, sur Internet, de nombreux témoignages individuels sur cette exposition. C’est assez rare une telle prolifération de commentaires étoffés, ça témoigne bien qu’Ernest-Pignon, avec Extase, touche une corde sensible, quelque chose qui fait parler. Plusieurs de ces commentateurs, avisés, rappellent le parcours de l’artiste, évoquent la force de ces interventions dessinées, placées toujours avec pertinence dans des lieux publics dont il exploite la plasticité symbolique en lien avec la mémoire politique, sociale, économique… – L’extase fabriquée, un fameux patrimoine. – Avec ce sujet religieux, il déplace son terrain d’intervention, certes, tout en restant dans le même sens critique. Car, d’abord présenté à Avignon, le sujet de l’Extase interroge bien les conditions de la foi dans notre société judéo-chrétienne. D’une certaine façon, pour entretenir la foi, convaincre, matérialiser les puissances divines, il fallait que des corps ainsi en viennent à incarner l’assujettissement à des forces supérieures à la rationalité humaine, se laissent posséder par de l’innommable et s’exhibent dans les affres de la passion revécue intérieurement. Même si cette production gagnait à être accidentelle – rare et imprévisible -, elle n’en demeure pas moins le résultat d’une intention, d’un désir autoritaire autant que social s’inscrivant dans l’organisation d’une manufacture de la croyance. Il fallait si possible que cela se produise dans des corps de femme regardés par des hommes. Il est, en effet, difficile d’écarter l’idée que, compte tenu de la conception dominante de la nature féminine et des conditions de vie faites aux femmes, il y ait eu fabrication de l’extase. On peut dire que tout était organisé pour que, ici ou là, ça sorte de temps en temps. C’est à relier à toute l’histoire des « vapeurs de femmes » et plus précisément à l’hystérie, maladie inventée pour justifier l’infériorité féminine. – Quelques phrases. – L’artiste, qui a travaillé en faisant poser une danseuse étoile (il fallait une maîtrise des distorsions et contorsions inspirées par la grâce, ici mimées), fournit quelques citations qui ont guidé sa réflexion (son trait de crayon). Gérard de Nerval : « J’ai rêvé dans la Grotte où nage la Syrène/ Et j’ai deux fois vainqueur traversé l’Achéron/ Modulant tour à tour sur la lyre d’Orphée/ Les soupirs de la Sainte et les cris de la Fée. » Jean-Noël Vuarnet : « Un peu comme Rimbaud et Artaud ont pu donner leur corps à la poésie, les mystiques donnèrent leur corps à l’expérience intérieure. » Thérèse d’Avila : « La douleur était si vive que je gémissais et si excessive la suavité de cette douleur qu’on ne peut désirer qu’elle cesse. Douleur spirituelle et non corporelle, bien que le corps ne manque pas d’y avoir part, et même beaucoup. » Flaubert : « On s’étonne des mystiques, mais le secret est là : leur amour, à la manière des torrents, n’avait qu’un seul lit, étroit, profond, en pente et c’est pour cela qu’il emportait tout. » Angèle de Foligno : «Etre éternellement penchée sur ce double abîme, voilà mon secret. En cette connaissance de la croix, il me fut donné un tel feu que, debout près de la croix, je me dépouillai de tous mes vêtements et m’offrit toute à lui. » Madame Guyon : « Elle tombe d’abîme en abîme, de précipice en précipice, jusqu’à ce qu’enfin elle tombe dans l’abîme de la mer, où perdant toute figure, elle ne se trouve plus jamais étant devenue la mer elle-même. » Julia Kristeva : « L’eau : fiction du transvasement entre l’être autre et l’innommable intime, entre le milieu extérieur et « l’organe » d’un intérieur sans organes, entre le Ciel du Verbe et le vide d’un corps féminin avide. » Mais aussi Lydie Salvayre et Andre Velter. A quoi il faudrait ajouter les archives photographiques de Charcot (hystérie), l’histoire de la sexualité par Foucault, et des ouvrages sur les « vapeurs ». – Référence au monde des vapeurs. – Jocelyne Livi a publié en 1984 « Vapeurs de femmes ». Extrait : « La femme est insatiable, le réel ne lui suffit pas. Dans toutes les histoires de magie, de fanatisme, de sorcellerie, elle est au premier rang. On raconte l’histoire des convulsions de Saint-Médard, on multiplie les anecdotes sur le magnétisme animal, et quand on y trouve des hommes, on se rassure, comme le docteur Menville, par ce diagnostic : « Constitution nerveuse très féminine ». L’imagination des femmes est bien ce qui inquiète le plus : la contestation féminine. Quel pouvoir, quelle force, la femme ne trouve-t-elle pas alors ! Voilà tout d’un coup cet être aimable, soumis, transformé en démon. Tout l’enivre et tout l’affecte. » (Navarin Editeur) – Le coup de crayon. – On peut s’étonner que le style soit si réaliste, traditionnel et presque académique (mais je crois que là, c’est une confusion). Un genre qui séduit, c’est du dessin que tout le monde peut comprendre, de la bel ouvrage. Il y a une certaine humilité dans cette manière de faire : l’artiste réfléchit avec sa main et le crayon, c’est sa manière de manier les concepts, imiter ce qu’il voit dans sa tête et devant lui (le travail du modèle). Ce qu’il a dans sa tête est multiple : un héritage, la lecture qu’il en fait, fantasmes et autres déformations. En dessinant, il s’empare et s’approprie une imagerie populaire pour  la restituer telle quelle, telle qu’elle a hanté et hante  notre culture. Il n’en fait pas un truc à lui, une interprétation personnelle de la grâce extatique. C’est une sorte d’archéologie, de restitution de l’imaginaire attachée à ces manifestations de l’irréel dans la chair. Il faut quand même que l’on se rappelle que notre histoire a eu besoin de cet enfermement dans la possession et l’exercice de l’extase mystique,  constitutif de la répartition des rôles sexuels. Il faut voir de temps en temps l’imagerie populaire telle qu’elle nous habite inévitablement, s’y confronter. Ensuite, dans le trait et le rendu, cela s’écarte de l’image pieuse, en évitant de magnifier et de nimber, en accentuant l’éprouvante emprise nerveuse sur les muscles et les chairs. L’extase est matérialiste et sa restitution contemporaine, le trait n’est pas passéiste. Ensuite, il y a un minimum de mise en scène, un dispositif d’exhibition, rappelant le talent de Pignon-Ernest pour tirer parti des lieux, des espaces, de leur signification. Les corps dessinés, imprimés sur des feuilles gondolées, chancelantes, semblent s’écarter/s’échapper de leur support, s’avancer dans le vide, n’être plus retenus par rien. Le groupe de mystiques est placé en une frise agitée, déstructurée, suspendue sur le miroir d’une eau lisse et noire. Magie blanche et magie noire se reflètent réciproquement. À intervalles réguliers, la lumière s’éteint et revient lentement, doucement sur les extases figées, montée progressive d’un éblouissement sur ce qui peut aussi être considéré comme un mémorial au trouble de la jouissance, aux victimes des volontés de domination des corps et de leur jouissance individuelle, subjective, vaste entreprise de capter le mystère de l’orgasme au profit d’un ordre religieux et politique. La jouissance, mixte de joie et souffrance, imposée et rentabilisée en ses cérémonies et images d’Epinal. (PH) – Un autre blog. – Autre blog sur Ernest Pignon-Ernest – Musique : visions mystique d’Hildegard von Bingen (en médiathèque) –

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Les murs sont signés

pochoirmonchiqueJ’ai été surpris d’apercevoir (comme on distingue au loin les signes d’un embrasement irrémédiable) l’explosion luxuriante de street art dans la pauvreté patente d’un coin du Portugal comme Olhao. Je regrette de n’y avoir pas consacré plus temps, cela mérite certainement autant d’attention, si pas plus, que l’actuelle exposition de la Fondation Cartier (Paris). Alors que ce blog se veut le reflet d’une pratique de l’attention (à élaborer, en tâtonnement vu les sujets et les objets d’attention diversifiés, exigeant des compétences multiples, chaque fois spécialisées), pour le coup j’ai repéré sans plus, pas été plus loin qu’un regard touristique. Pourtant la collection de signatures masterpieces sur les hangars et dépôts (industries encore en activité ou entrepôts à l’abandon, vestiges marin-urbain d’une économie de la pêche en souffrance) était impressionnante. La variété des thèmes, des techniques et des styles semblait très grande. Le mélange de lettrismes graphiques géants avec des images figuratives très développées étonnant (recyclant des imageries « populaires », BD, mangas et autres imageries normées). La quantité forgeait le respect. Il aurait fallu quadriller le territoire, photographier rue par rue, mur par mur, cartographier ! La misère comme contexte obligé du street art ? Dans cet exemple portugais situé de plus dans une région où la vie culturelle ne semble ni débordante ni exubérante, c’est peut-être de plus la seule issue de se sentir appartenir à une culture mondiale, impliquée dans « ce qui bouge et fait bouger les choses, de s’inventer un futur ? C’est peut-être la meilleure discipline, la plus « proche », la plus accessible et la plus efficace pour « soigner sa tête », se respecter et respecter les autres. Est-ce une « simple » copie des modèles américains, y a-t-il des styles locaux, des traits liés à la culture lusitanienne, comment s’effectuent les appropriations, les personnalisations (j’ai peu de repères et, même sans être un spécialiste picturale, j’en aurai beaucoup plus pour jauger une peinture « normale », j’identifierai plus aisément s’il s’agit d’un vrai travail ou de la production d’un peintre du dimanche – ce qui est loin d’être un statut infâmant) !? Il y a dans cette petite ville côtière, aux ruelles plus ou moins borgnes près du port, évoquant de loin son histoire arabe, un terrain d’investigation très riche et qui rejoint les remords de vacances (tout ce qu’on n’a pas fait) ! Je me suis contenté de clicher quelques pochoirs, ailleurs, où je ne les attendais pas (contexte pas très urbain à première vue), dans Monchique, petite bourgade haut perchée, surmontée d’un couvent à l’abandon entouré de chênes liège où des restes d’azulejos évoquent presque une prophétie de street art ! Reste à savoir si ces pochoirs appartiennent à des artistes locaux ou de passage (le magnifique pochoir de K7 audio, il me semble l’avoir vu ailleurs). Quelques autres échantillons, plus politiques (les têtes coupées de personnalités décideuses, la sempiternelle silhouette du Che…), découverts à Silves… Repères, reconnaissance. Les peintures de rue, sur les murs, les trains, les palissades de travaux, les trottoirs, font partie du décor, c’est devenu naturel. Je les considère comme étant à leur place et s’adressant à moi (comme à tout passant, le public est celui de la rue), ils induisent une autre attitude de rue. On regarde autrement tout l’environnement urbain dès lors qu’on est attentif à cette créativité, à ces œuvres qui y sont exposées et qui requièrent notre attention. Plus que ça, qui interpellent et incitent à développer de nouvelles compétences : car comment, sinon, évaluer ce type de production artistique qui sera considérée comme nulle si on cherche à lui appliquer des méthodes de jugement inadéquat ? Quels points de comparaison, quels critères, quels sont les signes d’une œuvre de qualité ? Rien qu’en cherchant à répondre à ces questions, on entre dans une autre manière de regarder et de marcher en ville. La rue devient un lieu d’éducation aux valeurs individuelles, d’initiation aux valeurs esthétiques. Né dans la rue, une exposition institutionnelle. Pour le reste, je me méfie des processus de reconnaissance des arts populaires un peu condescendants. Du genre « on a longtemps considéré telle expression comme art mineur, aujourd’hui la critique a évolué et la considère comme art à part entière, voilà qui remet en cause les hiérarchies établies ». C’est sommaire et, finalement, ça n’explique pas grand-chose. (Richard Shusterman, « L’art à l’état vif »). Il n’y a pas de hiérarchie à respecter en soi, mais une certaine manière de s’y attaquer a aussi considérablement aidé les industries culturelles à amplifier leur emprise, leur offrant des armes faciles pour légitimer tout et n’importe quoi… Il faudrait déjouer les dynamiques de reconnaissance dont l’objectif est avant tout de maintenir les règles du jeu, de perpétuer le système hiérarchique qui a besoin de nouveaux postulants à faire patienter avant de les promouvoir… L’exposition à la Fondation Cartier n’est accompagnée d’un appareil critique ni original, ni puissant. Juste ce qu’il faut. Elle permet raisonnablement de se plonger dans l’histoire du mouvement graphiste, à New-York, de faire connaissance avec les témoignages de quelques pionniers filmés, de se familiariser avec quelques styles basiques (histoire d’indiquer que « tout ne se ressemble pas »).  De réévaluer à sa juste valeur le geste initial, les mouvements du début (dans les témoignages du catalogue imprimé, la description – sommaire- du premier tag de quelques célébrités du genre, est émouvante : souvent au marqueur noir, sur le dos d’un fauteuil, dans le coin discret d’un mur… et d’un coup on se rappelle qu’il fut un temps où le graffiti ne faisait pas partie du paysage).  La salle de projection – mais projeter des films est de plus incontournable dans les expositions, pourquoi ne pas se doter d’une vraie salle confortable – propose des documents intéressants. De quoi, aussi, se confronter au savoir faire, au raffinement et audaces des pratiques, à la personnalisation des démarches, aux gestuelles typiques, aux variantes, aux écoles différentes, à la contagion géographique et parfois vertigineuses (quand le graffiti devient, à Sao Paulo, autre chose, une manière littéralement de risquer sa vie en couvrant les murs de la ville de sa signature – c’est tout de même incroyable, d’un enjeu qui dépasse les questions de reconnaissance artistique !) La Fondation Cartier a commandé des interventions à des artistes et collectifs parisiens pour que, justement, ça ne reste pas une expo dans un musée. Des interventions régulières, vivantes, ont lieu sur des palissades, devant la Fondation… c’est bien, on n’a pas souvent l’occasion d’assister à l’exécution de ces témoignages urbains qui surgissent souvent, de la clandestinité, de la nuit…   Ernest Pignon Ernest : Siné Hebdo a la bonne idée de publier un entretien avec Ernest Pignon Ernest. Ce n’est pas du street art, mais de l’art qui va dans la rue, qui prend la rue comme support. Ce n’est pas né dans la rue, ça ne se situe pas sur le même plan quant au discours et à la stratégie. Il vaut la peine de comparer les discours, précisément, des writers présentés dans le catalogue de l’exposition de la Fondation Cartier et celui d’Ernest Pignon Ernest. Sans établir de hiérarchie de valeur, ce dernier a une explication et une présentation de son art plus élaborée, plus consciente de tous ses aspects, y compris historiques, sociologiques, de classe. Ernest Pignon Ernest, impressionné par Picasso a décidé qu’il ne pouvait plus peindre de la même manière, même pas sur le même type de support. Il a développé des interventions dans l’espace public, la rue, mais en venant d’une formation savante. (Les writers font souvent le cheminement inverse). Il a aussi travaillé le pochoir mais y a renoncé pour ne pas imposer une marque qui pourrait être jugée indésirable par les personnes impliquées par l’espace ainsi marqué. Il opte alors pour une pratique de dessins sérigraphiés et collés in situ. Cela permet de retirer, si ça dérange, ou de les laisser si on les adopte! Le lieu, la disposition, le représenté, rien n’est laissé au hasard et, en général, le contenu politique est explicite. Une de ses créations les plus célèbres date du temps de l’apartheid en Afrique du Sud:  plusieurs centaines d’individus africains noirs, presque grandeur nature, collés dans les rues de Nice où une délégation sud-africaine venait assister à un match des Springbohs… Maîtrise complète de son art et des règles du jeu de l’art, de son implication sociale, précision du placement urbain et de plus, il ne signe pas ses oeuvres. Considérant que ce qu’il vient coller – ses dessins sérigraphiés – n’est qu’une partie de l’oeuvre, l’autre partie c’est le mur, le lieu, l’environnement, et cela ne lui appartient pas. On voit que ce positionnement, et surtout cette absence de signature là où les writers amplifient la signature, les différences sont significatives et permettent de mieux réfléchir, par confrontation, aux caractéristiques, aux statuts respectifs de ces démarches… (PH) –  A visiter : Le site de l’association le M.U.R. (Modulable Urbain Réactif) – Le site d’Ernest Pignon Ernest

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